INFIERNO CINEMATOGR�FICO

Una actuación puede ser la diferencia entre un filme regular y una película sobresaliente, o viceversa. En Brujas (In Bruges, 2008), que abrió el Festival de Sundance de este año, es un ejemplo de los segundo. La razón es la participación como protagonista de ese extraño actor llamado Colin Farell, consagrado por su papel en Alexander, de Oliver Stone (2004), que le valió una nominación al Razzie, y que tanto parece gustarle a Joel Schumacher. En la cinta escrita y dirigida por Martin McDonagh, quien tuvo éxito en Broadway con The Pillowman (2003), el irlandés tiene una interpretación “física�, cuyo principal recurso son las muecas en general y de sus gruesas cejas negras en particular. Él y Brendan Gleeson, quien hace un trabajo mucho más sobrio y parejo, tratan de componer así una pareja como la de Stan Laurel y Oliver Hardy, por lo que ese sería el referente de las expresiones faciales de Farell. Pero eso está de más en un filme al que para despertar interés le basta y le sobra con su metáfora del infierno, basada en la arquitectura medieval y en obras de El Bosco y de otros pintores.

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LA FUERZA DE LA CULPA

La premisa se sale de lo común: dos asesinos a sueldo son enviados a Brujas, en Bélgica, de vacaciones, mientras las aguas del asesinato cometido se calman. La ciudad ­-protagonista última de la película- se transforma así en un catalizador de culpas, ansias, fobias y filias, que van apareciendo mientras el espectador asiste a una de las películas visualmente más deslumbrantes en muchos años. Porque, vale la pena repetirlo, se trata de Brujas, en el corazón de la Bélgica flamenca, una ciudad medieval dominada por la arquitectura gótica, ese anhelo del hombre por llegar a Dios a través de las formas. Y nada es lo que parece, en el film y en la trama.

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CORTO PERO DIF�CIL

Filmar un buen corto puede ser más difícil que un largo, aunque algunos consideren que el formato es una escuela del cine de verdad y lo que se haga en él a lo sumo ha de servir como carta de presentación para proyectos más serios. Queda demostrado en París, te amo (Paris, je t’aime, 2006): reunir a 18 destacados directores de cine de la actualidad para que cada uno realice un filme de 5 minutos no da necesariamente como resultado una buena colección de cortometrajes. Incluso se percibe entre los segmentos del filme los errores más comunes que cometen los realizadores noveles. Se incurrió en el mensaje edificante, por ejemplo, como le ocurrió a Gurinder Chadha, la directora de Quiero ser como Beckham (Bend It Like Beckham, 2002) en “Quais de Seine�, que parece un spot de televisión sobre la tolerancia a los árabes. También a Walter Salles y Daniela Thomas en “Loin du 16me�, sobre la dura rutina de una pobre inmigrante latinoamericana, interpretada por Catalina Sandino. Otros cayeron en el chiste, que es otro de los infiernos del corto, como Vincenzo Natali, el director de El cubo (Cube, 1997), en la historia de vampiros “Quartier de la Madeleine�, o se les diluyeron la historia y el tema en el mero ejercicio de puesta en escena, como les pasó a Christopher Doyle, el director de fotografía de varios filmes de Wong Kar-wai, en “Porte de Choisy�, y a Nobuhiro Suwa, el celebrado director japonés de M/Other (1999) y H Story (2002), en “Place des Victoires�. En otros caso la cosa no pasó de un intento de creación de personajes insólitos que terminan siendo ridículos, como en el filme de Sylvain Chomet, el director de Las trillizas de Belville (Les triplettes de Belville, 1998), “Tour Eiffel�, el peor de todos los cortos reunidos en la película, o simplemente faltaron la capacidad de profundizar o la “pegada� que debería tener un corto, si es válida la analogía con lo que decía del cuento Julio Cortázar en comparación con la novela. Es lo que les ocurrió a Richard LaGravenese, el director de Escritores de la libertad (Freedom Writers, 2007), en “Pigalle�, donde no hay química entre Fanny Ardant y Bob Hoskins; a Wes Craven en “Père Lachaise�, que desaprovechó el tema de Oscar Wilde, y a Gus Van Sant en “Le Marais�, un filme gay flojo del director de Milk.

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ILUMINADOS

Salvo mejor opinión fue Santo Tomás de Aquino el que separó las aguas entre la ciencia y la fe hace ya unos cuantos años. Pero es posible que su Summa teológica no tenga, hoy en día, tantos adeptos como los libros de Dan Brown, que, con muy buen tino editorial, prefieren ignorarlo y hacer del Vaticano un lugar más bien siniestro, donde se tejen conspiraciones de todo calibre y donde la fe y la ciencia pueden darse la mano de nuevo. Esto no es todo, difícilmente haya disciplina más árida que la semiología, pero el genio de Dan Brown la ha convertido en una profesión glamorosa, que se codea con las mejores intrigas internacionales (lo cual explica, por lo demás, por qué la Asamblea Nacional buscaba un semiólogo que explicara una de las tantas teorías conspirativas de estos últimos años).

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PARPADEOS DE LIBERTAD

Sin duda, se trata de la mejor película del actual Festival de Cine Francés. El vuelo de la mariposa, cuyo título original es Le scaphandre et le papillon, es decir, la escafandra y la mariposa, reafirma el talento desbordante del neoyorquino Julian Schnabel, reconocido artista plástico que en 1996 dio el salto al cine con la celebrada Basquiet, en torno del polémico pintor de vanguardia, para consagrarse en 2000 con Antes que anochezca, su desgarradora visión sobre el drama del poeta cubano Reinaldo Arenas que arrancó aplausos por doquier. Ahora le toca el turno a otro personaje de la vida real. Jean-Dominique Bauby, jefe de redacción de la famosa revista francesa Elle, sufrió en 1985 un accidente cardiovascular que lo inmovilizó totalmente, a excepción de un ojo. Sin poder hablar, sólo podía comunicarse con el parpadeo que marcaba letra a letra en un alfabeto especial para su “escritura�. Así surgió su autobiografía, La escafandra y la mariposa, que se convirtió en un auténtico best-seller, reconocido, además, por la crítica literaria.  Una mirada desde adentro de esa cárcel de su cuerpo que registra el período más trascendente de su vida. Su lucha particular por las emociones más íntimas. Ese fue el libro que llegó a las manos de Schnabel y el principio de una gran película que le valió a su director el premio en el Festival de Cannes de hace dos años.

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LA ESCAFANDRA. LA MARIPOSA. LA PRISIÓN.

La libertad. La parálisis. El movimiento. La inacción. El vuelo. La muerte. La vida. Entre uno y otro de estos extremos se movió la endeble existencia de Jean Dominique Bauby, jefe de redacción de la revista Elle que a los 43 años de edad sufrió una embolia masiva que lo mantuvo en coma durante 20 días. El diagnóstico fue una rara afección neurológica conocida en inglés como Locked-in Syndrome, algo así como síndrome de enclaustramiento. Es decir, estaba encerrado en sí mismo, en un cuerpo inservible, incapaz de valerse por sí solo para comer, impedido para hablar, tan desesperado como aquel desgraciado que desde el fondo del mar intenta gritar para que lo oigan en la superficie, tan decepcionado como a quien no le queda más remedio que depender de otra persona para ¿vivir? Algunos ­el Ramón Sampedro que Alejandro Amenábar nos presentó en Mar adentro­ han optado por el suicidio, pero cuando el periodista francés descubrió que podía mover a voluntad el párpado de su ojo izquierdo, decidió convertirlo en su boca, en su garganta, en sus cuerdas vocales. Lo usó como sus manos, como la vía para expresar las maquinaciones de su cerebro intacto, imaginativamente fértil.

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INVESTIGACIÓN Y DESARROLLO

El cine experimental, hecho por realizadores underground, que generalmente trabajan con sus propios recursos y viven de dar clases en universidades o de otras actividades paralelas, si es que encuentran algo de qué vivir, o se mantienen con herencias o con la plata de otro, ha servido de laboratorio de investigación y desarrollo cuyos hallazgos se aplican en las películas comerciales de los estudios de Hollywood o del cine artístico comercial de Europa. Ello es evidente en la primera parte de La escafandra y la mariposa (Le scaphandre et le papillon, 2007), que se exhibe en Venezuela con el título de El vuelo de la mariposa. La fotografía de Janusz Kaminski, nominado al Oscar por este trabajo, saca provecho, al parecer sin pagar derechos de propiedad intelectual, de los descubrimientos estéticos de Stan Brakhage. Lo que fue vanguardia en su momento se convierte en recurso narrativo para que Julian Schnabel, también nominado al Oscar al mejor director por la película, cuente la historia de una persona que padece el “locked in syndrome� de una manera más audaz que la del cuadrapléjico de Mar adentro (2004) de Alejandro Amenábar, y sin la pesadez del mensaje a favor de la eutanasia.

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NOVELA DE ESTACIÓN

Autor de medio centenar de películas, Claude Lelouch supera los 70 años de edad y, sin embargo, se mantiene muy activo. Sus filmes tienen un sello personal que identifica un estilo narrativo muy propio en el que el encuadre y la angulación de sus imágenes son fundamentales. Desde que Un hombre y una mujer ganó la Palma de Oro de Cannes en 1966 y después el Oscar como película no hablada en inglés, la suerte le ha sonreído. Su filmografía es no sólo numerosa sino heterogénea. Se ha desplazado del drama romántico de Vivir por vivir a la adaptación muy personal de un clásico como Los miserables hasta una obra coral como Los unos y los otros o el film noir La bonne anné o la visión política del trabajo colectivo Lejos de Vietnam. De todo ha hecho Lelouch y no deja de sorprendernos con su más reciente trabajo, Roman de Gare, es decir, novela comprada en una estación de tren para pasar el rato, que se titula en Venezuela de una manera más creativa: Crimen de autor. Film de suspenso donde el juego de las apariencias se despliegan en sus 103 minutos para desarrollar una historia de escritores que engañan, cada cual a su estilo, y sorprenden al público hasta la última escena. Puro ingenio.

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Aunque cierta crítica se niegue a reconocerlo por mezquindad, Sean Peen ganó el Oscar de la academia con† justicia en la piel del líder carismático, Harvey Milk, el equivalente de Abraham Lincoln y Martin Luther King para la defensa de los derechos humanos de los homosexuales ante la intolerancia de las ligas de la decencia en Estados Unidos.  Por algo, él muere en circunstancias similares a las de sus predecesores políticos, hasta convertirse en el mesías crucificado de la religión de ambiente. Antes su obra fue resucitada en los ochenta por el laureado reportaje “Times Of Harvey Milk�. Ahora su calvario trasciende a la pantalla a la manera de The Passion, pero a la inversa del credo ortodoxo de Mel Gibson.

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UN HÉROE DE LAS MINOR�AS

Al principio, directamente y sin ambages, Van Sant presenta la noticia del doble asesinato, en 1978, del alcalde de San Francisco y de Milk, primer activista político gay que había sido elegido democráticamente para la alcaldía.  Con un flashback continuo, muestra a Milk grabando en los viejos casetes de sonido sus impresiones sobre la lucha que lo llevó desde un barrio homosexual de la costa oeste hasta el epicentro del poder municipal, en apenas siete años. Pasó de ser un comerciante de rollos fotográficos a convertirse en el primer ciudadano no heterosexual elegido para un puesto oficial. Además fue una figura fundamental en el rechazo de la llamada Proposición 6 que propiciaba la expulsión de profesores gays de las escuelas de California y devino en un notable activista por los derechos civiles de su tiempo.

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